"TRAINING" ENTRENAMIENTO ACTORAL

Hola a todos. Hoy voy a hablar del "training", o como reza el título el entrenamiento que todo actor debe realizar, sobre todo cuando está en su fase de formación. Voy a centrarme en el apartado físico, aunque la voz también debe trabajarse como es lógico. Con este entrenamiento se pretende mejorar la condición física, perfeccionar el equilibrio, la concentración y el conocimiento de tu propio cuerpo y como "manejarlo" en las diferentes situaciones con las que te encontrarás posteriormente en las actuaciones. Cada uno puede elegir su propio "training" combinando los elementos que le parezcan oportunos. Os resumo el primero que yo aprendí antes de ingresar en la "Escuela de Arte Dramático de Málaga", una de las más prestigiosas del país actualmente. Antes de empezar hay que hacer estiramientos y un calentamiento que consiste en correr durante unos cinco minutos. Mientras estás corriendo conviene variar la velocidad de vez en cuando, por ejemplo comenzar a un ritmo medio manteniéndolo durante un rato, hacer un "sprint" de unos 20 segundos y continuar otra vez a ritmo medio. Es muy recomendable hacer una sentadilla de vez en cuando, levantarte con rapidez y seguir corriendo sin perder el equilibrio. También deben efectuarse algunos giros sobre uno mismo sin interrumpir la carrera y como acabo de citar, procurando siempre no desequilibrar el cuerpo. El siguiente paso consistía en caminar todos por el espacio en linea recta con la mirada en un punto fijo y el cuerpo erguido, pero sin demasiada rigidez. Si te encontrabas a alguien en tu camino, antes de chocar debías pararte durante unos segundos, hacer un giro de 45 grados y a continuación seguir andando. Al ser unos 15 alumnos y disponer de un espacio relativamente pequeño, podía darse el caso de que inmediatamente después de hacer el primer giro hubiese frente de ti a otro compañero, entonces debías efectuar otro giro, pudiendo hacerlo de 90 grados esta vez. Pero el ejercicio podía complicarse aun más si te encontrabas con otro compañero enseguida. Para solucionar este problema, al encontrarte con el primer o el segundo compañero, podías dar un paso o dos hacía atrás antes de girar. Los giros podías elegir hacerlos hacia la derecha o hacia la izquierda. Durante esta fase, en determinadas ocasiones la profesora decía "stop". Había que detenerse inmediatamente y realizar algún ejercicio complejo como el "arado". En este concretamente comenzabas con los pies separados unos 20 centímentros y el cuerpo recto. A continuación tenías que flexionar las rodillas hacia abajo, estirando los brazos hacia el frente al mismo tiempo de forma lenta, hasta tocar el suelo con el "trasero" suavemente (los brazos continuaban estirados). Sin detenerte, se enlazaban estos movimientos con el "arado".

Una vez finalizado este ejercico, continuábamos caminando por el espacio durante algunos minutos más. Después de tomar aire durante unos momentos había que realizar otros ejercicios. Describiré solamente dos: 1. Caminar por el espacio en cuclillas. Puedes ayudarte moviendo los brazos para no perder el equilibrio. 2. Comenzar con el cuerpo recto, los brazos pegados a los lados y una separación entre los pies de unos 20 centímetros. Estirar los brazos al frente y saltar encogiendo las rodillas al máximo. Hay que procurar por todos los medios caer al suelo haciendo el menor ruido posible. Para conseguir realizar este ejercicio con éxito, es fundamental concentrarse imaginando que estás en el interior de un gran tonel de vino y que no te sales de él al saltar. Como es natural, las primeras veces te desequilibras y sueles hacer bastante ruido. Esto desaparece con la práctica. Es un ejercicio excelente para conseguir una buena concentración y un gran sentido del equilibrio. Una gran cantidad de actores, incluso con mucha experiencia, realizan un pequeño "training" vocal y corporal antes de cada actuación. Os dejo un "link" para que podáis leer un artículo muy completo sobre el "training": https://tactuacion.blogspot.com/2011/11/el-training-del-actor.html?showComment=1643777675952#c431269823574411454 Voy a terminar con la recomendación de dos libros: "El cuerpo poético" de Jacques Lecoq. Este es imprescindible para cualquier actor que se precie. Es el único libro que escribió este director, actor e investigador teatral después de estar 40 años trabajando en su "Escuela internacional de Teatro" de París. El segundo es "Hacia un tercer teatro" de Ian Watson, en el cual describe las teorías y los métodos empleados por Eugenio Barba en su laboratorio de investigación teatral: el "Odin Teatret". Hay un extenso capítulo dedicado al "training". Si vivis en Madrid podéis conseguirlos en la libreria "Ñaque la Avispa". Si además os apetece conocer un sistema de formación actoral que fue revolucionario en su época e incluye el trabajo corporal, buscad la "biomecánica" de Meyerhold. Mucha suerte a todos los actores, especialmente a los que estáis empezando. ¡Os podéis comer el mundo!

CONSEJOS ACTOR CINE

 Hoy voy a dar algunos consejos que no se dan en las Escuelas o Academias de teatro. En las de cine, como es lógico si se dan, pero no todos, porque voy a contaros algunos que he aprendido a lo largo de los años, en mis intervenciones en películas y series de televisión. 

- Ensayos. Debes llevar el guión bien aprendido, pero si te equivocas o cambias el texto porque no te acuerdas, no te preocupes. De los ensayos suelen surgir frases o escenas que no estaban en el guión y al final se incluyen porque así quedan mejor.

- Naturalidad: Actúa siempre con la mayor naturalidad posible. El cine es como cualquier circunstancia que ocurre en la vida. En teatro se suele gesticular un poco más (y no digamos el “clown”), para que los movimientos, sobre todo de los brazos, puedan ser observados bien desde las últimas filas y el "gallinero". Esto quiere decir también que no hagas movimiento bruscos (excepto si la escena lo requiere, por ejemplo un discusión subida de tono). Los movimientos deben ser fluidos, pero no demasiado lentos.

- La mirada. Este consejo es para mi, muy importante y he visto cometer el “error” muchísimas veces, incluso a actores o actrices con gran experiencia. No mires fijamente a los ojos del personaje con el que tienes tu escena, porque bailan las pupilas. Mírale solamente a un ojo y esto no ocurrirá. Mira siempre a los ojos de tu compañero, esto genera una sensación de confianza, excepto si te está amenazando o sientes verguenza, entonces puedes bajarla.

- Gestos. Como acabo de decir, los gestos deben ser lo más naturales posibles, pero los hay de un tipo que a mi particularmente no me gustan mucho, porque el actor parece un maniquí. Cuando, por ejemplo, se abren los brazos o se señala con un gesto acusador, los actores suelen mantener el gesto hasta que el otro personaje termina de hablar o se marcha. Esto ya queda a tu elección. Puedes probar a hacerlo asi, si al director no le gusta, ya te lo dirá.

- Dale juego a tu personaje, aunque solo hable tu compañero. Si es una película o serie modesta, puede ser que haya solo una cámara, entonces hay que rodar planos y contra-planos. Se ruedan primero los de un actor y luego los del otro, para alternar los planos en el montaje y que no se vea a un actor todo el rato. En este caso no hay mucho problema, porque cuando se rueden tus planos, harás los gestos y movimientos casi inconscientemente. El problema se plantea cuando se está rodando un plano general y solo habla tu compañero. Imaginemos que estáis tomando un café en cualquier sitio. No puedes quedarte sin hacer nada. Puedes mover el café con la cucharilla, coger una servilleta y limpiarte la boca, beber un poco, asentir de vez en cuando, mover un poco la cabeza frunciendo un poco los labios si te está contando algo desagradable que le ha ocurrido, etc. Si la escena es breve, tampoco te pases, haz solo alguno de los gestos o movimientos que acabo de citar.

- Lleva siempre preparada varias alternativas para la escena que vas a rodar. Si en el ensayo no le gusta al director, sugiérele una alternativa, así no se pierde tiempo y es un punto muy importante a tu favor. Pero ojo, si el empieza a decirte como debes hacerlo, no le interrumpas para hacer la sugerencia. Esto esta relacionado con el penúltimo punto.

- Cuidado con la voz. Hay actores como Najwa Nimri, que tienen un tono muy bajo de voz y casi no se les entiende. En el rodaje te pondrán un micrófono encima de la cabeza, lo que suele llamarse "jirafa", pero no te confíes. Tienes que colocar la voz en el punto exacto para que se te oiga bien, sin elevarla demasiado. Esto se llama “impostar la voz”. Si tienes un tono normal, no te preocupes, pero si no es muy alto o no se te suele entender del todo bien, la única solución es que hagas ejercicios. Hay dos clásicos. Grábate con el móvil hablando con un lápiz o un corcho en la boca, apretándolo con los dientes y procurando que se entienda lo mejor posible. Será muy difícil que se entienda perfectamente, pero practica hasta que se te entienda casi bien.

- Entonación y dicción. Cuando hables debes darle una entonación distinta a determinadas palabras. Marca las que te parezcan más importantes o si es una palabra muy larga o difícil de pronunciar, puedes decirla un poquito más despacio, vocalizando bien para que se entienda. Esto tendrás que hacerlo especialmente si tienes un monólogo largo, para que el tono no quede monótono. Si tienes que hacer una enumeración larga, hay que variar bastante por el mismo motivo. Prueba a hacer pequeñas pausas entre algunas de las palabras, introduce un gesto con un silencio un pelín más largo etc. Esto lo verás más claro si escuchas a un locutor de radio, pero ten cuidado porque algunos exageran demasiado, sobre todo los de las retransmisiones deportivas.

- Cuidado con los “tics”. Yo parpadeo mucho y esto queda fatal, sobre todo si el personaje con el compartes escena no lo hace. Si este fuera también tu caso, debes aprender a controlarlo, pero hazlo delante de un espejo todas las veces que haga falta para que no parezcas un buho. Si tu personaje te dice algo inesperado, puedes parpadear dos veces, no más, esto aumenta la sensación de perplejidad. Otro ejemplo, a mi el reloj se me suele pegar a la muñeca y tengo la manía de moverla mucho. Solución, cuando voy a rodar me quito siempre el reloj. Hay un ejercicio que se llama “el test de los tics”. Apréndete un texto o escribe un argumento que luego desarrollarás (esto es mejor porque así lo harás con más naturalidad). Coloca una cámara o un móvil en posición fija o dile a alguien que te grabe, durante cinco o seis minutos. Cuando veas las imágenes, comprobaras cuales son tus “tics” para poder evitarlos.

- El ceño. Hay actores (como Marck Whalberg o Shemar Moore -Morgan en “Mentes Criminales”-) que fruncen tanto el ceño que parece que les han hecho un surco en la frente con un cuchillo. Esto debes aprender a controlarlo (haz ejercicios para relajar el ceño). Si en tu escena tienes que mostrar preocupación o una duda muy grande, si puedes hacerlo.

- Observa a tu alrededor. Fijate bien en los actores de las películas o en las personas que veas por la calle. Si tienes que interpretar a un anciano, todo el mundo sabe que, entre otras cosas, tendrás que andar más despacio o poner la voz un poco más ronca, pero observa a uno real porque casi seguro verás cosas que no se te habían ocurrido. Esto sirve para prácticamente todos los personajes.

- Aunque lo haya dejado para el final, este es  quizás el consejo más importante. No discutas con el director. En los ensayos, normalmente el director te marcará como es tu personaje y como debe comportarse. Algunos son dialogantes y admiten sugerencias, pero no todos. Hay otros que son muy quisquillosos y hay que hacerlo todo como el diga, pero si no comprendes bien lo que te está explicando, pregúntale (aunque tengas que hacerlo varias veces). Es mejor pasar por tonto que rodar una escena mal y que haya que repetirla cuatro o cinco veces. Esto cabrea mucho a los directores, porque lo más caro de todo es la película virgen y si se hacen más tomas de las previstas, pueden pasarse del presupuesto. Hay directores muy maniáticos que han llegado a rodar una escena casi 100 veces, como Hitchcok. Si esto ocurre es normal que después de 20 ó 30 tomas estés saturado, si hace falta, pídele un pequeño descanso o dile que te concrete más como quiere que lo interpretes.

- “Si vale la primera toma para que vas a hacer más”. Esta es una frase de Clint Eastwood, que ha rodado ya más de treinta película. Si la escena sale bien a la primera, es normal que se haga una toma más por si acaso (sobre todo en televisión) y ya está, así que no te agobies por lo que te acabo de explicar. Lo de las 100 escenas es rarísimo que se produzca.

Mucha suerte y si teneis alguna duda, no tenéis más que pregntarme.

EL DÍA QUE HABLÉ CON ANTONIO BANDERAS

Escena de la película "El camino de los ingleses"

 En el año dos mil seis se estaba rodando en Málaga "El camino de los ingleses", segunda película dirigida por el conocido actor Antonio Banderas, despues de "Locos en Alabama",

protagonizada por la que en aquel momento era su mujer Melanie Griffith. El film está basado en la novela de Antonio Soler del mismo título, que fue galardonada en el 2004 con el premio Nadal. Su argumento es el siguiente:

Sur de España, a finales de los 70. Miguelito Dávila es un joven de espíritu inquieto al que una enfermedad renal le ha llevado a pasar una temporada en el hospital. Allí conoce a un hombre culto que le abre la posibilidad de imaginar una vida mejor a través de la poesía, de la aventura interior. Miguelito piensa que un día podrá dejar su trabajo en una pequeña ferretería y ser poeta. En el verano en el que transcurre la historia, encuentra a Luli (María Ruiz), su musa, y comienza un idilio con ella. Será el mismo verano en el que, junto a sus amigos Babirusa (Raúl Arévalo), Paco Frontón (Félix Gómez) y Moratalla (Mario Casas), emprendan todos una andadura que va a resultar crucial en sus vidas.

  Yo tenía un pequeño papel. Mi trabajo consistía en bajar de una ambulancia, que llegaba a toda velocidad y atender a un actor (Antonio Zafra) al que le habían dado una buena paliza y estaba en el suelo ensangrentado; llamar al otro sanitario y llevarnos al pobre chico en la camilla. 

Alberto Amarilla (tercero por la izquierda fue nomido al "Goya" como mejor actor "revelación". El y yo estudiamos juntos en la "Escuela de Arte Dramático" de Málaga, aunque el es natural de Cáceres.

 Es rarísimo que el director hable con los figurantes, para eso hay otras personas, así que mi sorpresa fue mayúscula cuando Antonio Banderas se acercó a mi (vestido con botas vaqueras y chaqueta de cuero de motorista) y me indicó amablemente lo que tenía que hacer: tapar con una manta al actor, tomarle el pulso y poco más. Yo le sugerí que podía bajarle el párpado para mirarle el ojo, me dijo que si y eso fue todo, pero fue una experiencia muy estimulante. Mi escena fue cortada finalmente y la película no tuvo el éxito que se esperaba, pero seguro que no fue porque yo no saliera. Para los que conozcan Málaga, esta escena se rodó en la calle Armengual de la Mota, cerca del hotel que en su tiempo fuera los “Almacenes Mérida”.

         MI PARTICIPACIÓN EN LA SERIE DE CANAL SUR TV. “ARRAYÁN”

  Hace ya bastante tiempo (todavía no había entrado el euro) estuve trabajando en esta serie. Allí tuve una escena con Mariano Peña, mucho antes de que comenzará a interpretar a Mauricio en la conocida serie de televisión “Aida” y compartí otra con el actor que da vida a Vicente, el fanático del fútbol en “La que se avecina”. Yo comencé haciendo de figurante, pero como solo pagaban 12 euros por seis horas de trabajo o un poco más, me cansé y le dije a los de la agencia que no iba a ir más. Envíe mi curriculum al e-mail de la serie y al poco tiempo estaba trabajando con texto. Si decías menos de ocho frases eras “figurante especial” y pagaban 60 euros, pero si decías más, se te consideraba “actor de reparto” y cobrabas 180, que en aquel entonces era un dineral. Esta última cantidad la gané nueve o diez veces y como "figurante especial" fui unas veinte. Además tenía la gran ventaja de que me recogía un coche de producción bastante temprano (como actor de reparto). Llegabas allí (los interiores se rodaban en Coín) te maquillaban, ensayabas la escena dos o tres veces en una habitación reservada para los acores, grababas tu escena, que casi nunca eran más de tres o cuatro tomas y en cuanto quedaba libre un coche de producción, me traía a casa, con lo cual la mayoría de las veces estaba en Málaga sobre las 12 del medio día. Durante el tiempo que estabas allí, podías desayunar gratis todas las veces que quisieras y a media mañana te daban un bocadillo y un refresco.

Este soy yo.

Pero voy a contar la anécdota que es a donde yo iba. Un día teníamos que rodar en la comisaría de policía de Fuengirola, que tiene una entrada bastante amplia (en la serie saldría como si fuese una de Málaga capital). Mi escena consistía en que estaba de guardia en la puerta e interceptaba a un borracho que quería entrar, negándole amable, pero firmemente esta posibilidad. Mientras rodaban en el interior, yo estaba en la puerta esperando a que llegase mi turno. En un momento dado, se me acercó un señor y me preguntó donde se podía renovar el DNI, como es normal yo le contesté que era un actor y que no tenía ni idea. El hombre se extrañó un poco, pero me dio las gracias y entró en la comisaría y es que el vestuario era muy bueno, hasta las pistolas parecían de verdad. Sin embargo como suele pasar muchas veces, también estaba la parte negativa. Al firmar el contrato tenías que renunciar a tus derechos de imagen (los que no eramos actores principales), es decir que si la serie se vendía a otra autonomía u otro país, no podías cobrar el dinero que te correspondía por ley. Pues bien, la serie se vendió a muchos países de Europa y por toda sudamérica, o sea que algún listillo se quedó con un montón de dinero que no le correspondía, y es que en España hay mucho “trápala” y mucho “chorizo”.

OCHO CONSEJOS PARA HACER UN BUEN CASTING

 1. ESTAR RELAJADO.
Lo más importante a la hora de hacer un buen casting es que vayas lo más relajado posible. Si eres de las personas que te cuesta conciliar el sueño, tómate dos comprimidos de valeriana con la comida y dos con la cena el día antes. Si aun así no te duermes, puedes tomarte otros dos y lee algo relajante durante diez minutos. Nada que sea muy absorbente.

 2. DESAYUNO LIGERO.
No desayunes demasiado y sobre todo no tomes nada que pueda provocar gases. Si el café te pone un poco nervioso, toma ese día zumo o té. Yo siempre llevo una manzana -puedes estar allí mucho tiempo y te dará hambre- y un botellín de agua. Es normal que se te seque la boca, sobre todo justo antes de hacer la prueba.

 3. APRENDERSE BIEN EL TEXTO.
Cuando llegues al lugar del casting, te darán un texto para que te lo aprendas. Dependiendo de la gente que haya, tendrás entre diez minutos y media hora para hacerlo, pero no te confíes si hay muchos aspirantes, los entrevistadores irán más rápido. Si no te da tiempo a aprendértelo todo, no te preocupes, normalmente dejan tener el texto durante la prueba. Si este no fuera el caso, es fundamental que no te pares, sigue hablando procurando que la idea general del texto sea la misma. Si notas que te vas a quedar en blanco, no lo dudes, invéntate cualquier cosa. Esto será un punto importante a tu favor, pues demostrará que tienes recursos. Si alguna palabra te resulta complicada, cámbiala por otra que te sea más fácil. Es mejor eso que pronunciarla mal.

Así son la mayoría de los castings, una cámara, un foco y una pantalla para quitar sombras.

 4. LLEVAR UN TEXTO PREPARADO.
Conviene llevar un texto aprendido, pues algunas veces te piden que interpretes algo más. Esto suele ser una buena señal, porque quiere decir que lo has hecho bien, pero quieren comprobar un poco mejor tu capacidad. De ahí que sea muy importante que el texto te lo sepas de memoria y no sea uno muy conocido, como el "Ser o no ser" de Hamlet, porque ya estarán más que hartos de escucharlo. Escoge uno donde puedas jugar con las entonaciones y las expresiones y puedas añadir gestos y movimientos para enriquecer el texto, por ejemplo el monólogo de “Cyrano de Bergerac”. El vocabulario es un poco complicado, pero puedes modificarlo y cuando lo domines es muy efectivo (lo incluyo al final del artículo).


 5. SE TU MISMO.
Si te hacen alguna pregunta, aunque sea un poco rara, no dudes, muéstrate seguro de ti mismo. No contestes solo con monosílabos, pero tampoco te enrolles mucho, porque los entrevistadores tienen que ver a mucha gente y no pueden estar mucho tiempo con cada persona. Procura ser simpático, por ejemplo si te preguntan cuales son tus aficiones, puedes contestar: el cine, hacer deporte y comer hamburguesas con patatas. No tengas miedo, en esas pruebas casi todo el mundo esta nervioso y contesta con seriedad, así que los entrevistadores están aburridos. Con tu respuesta se animarán y es probable que se acuerden de ti y te seleccionen si lo haces medianamente bien. A veces es un casting previo y entonces, te seleccionarían para el definitivo.


 6. INGENIO.
Normalmente la prueba que se interpreta es una escena de la obra de teatro o la película que se realizará. Si están buscando actores de reparto (con texto), lo más normal es que si lo haces bien te hagan una prueba más para asegurarse de que das la talla. Por muy difícil que sea, aquí tienes que superarte. En un casting para una película, me dijeron que tenía que pasar una pelota de dos metros por el hueco de una puerta normal. Empecé a empujar la pelota imaginaria haciendo grandes esfuerzos, con mucha mímica, pero claro era imposible. Recorrí la habitación con la mirada y junto a una chimenea apagada, había una pila de troncos gruesos. Me abalancé sobre uno y comencé a fingir que golpeaba con furia el marco de la puerta, haciendo muchísimo ruido. Resultado: me dieron el papel.

 7. EJERCITAR LA MEMORIA.Aunque lo haya dejado para el final, este es uno de los puntos más importantes. Un actor debe tener muy buena memoria y en un casting es donde tiene que demostrarlo, porque el tiempo para aprenderse la escena es muy breve. Así que tendrás que ejercitarla. ¿Cómo? Yo me aprendía nombres raros. 
                                                                                                      
· Kirk Douglas: Issur Danilovitch Demsky                          

· John Ford: Sean Aloysious O’Finney

· Cary Grant: Archibald Alexander Leach

· Rasputín: Grígori Efímovich Novikh         

· Dios azteca de la oscuridad: Tezcatlipoca   

  

· Dios azteca del viento: Quetzalcoátl
 
  Y cualquier otra cosa que se te ocurra.


 8. SELECCIONA BIEN.
Si vives en una ciudad pequeña, está bien que te presentes a todos los castings que haya, incluso de figurantes, mucha gente empieza así, pero si vives en Madrid o en Barcelona, es mejor que selecciones un poco. En estas ciudades, unas pocas agencias hacen una gran parte del total de los castings y si uno te sale muy mal, es probable que vuelvas a coincidir con los entrevistadores y que se acuerden de ti. Por ejemplo, si no tienes formación musical, no te presentes a ningún musical. Incluso los papeles pequeños se los dan a cantantes con alguna experiencia. En cuanto a lo que decía antes, en Madrid la agencia de Luis San Narciso se queda con la mayoría de los castings importantes, sobre todo para televisión.

  ¡Mucha suerte! Espero que triunfes.

 

                       Web para actores profesionales, pero tambien              Casting del concurso Fama ¡A Bailar!

 hay cursos y trabajos de extra.

       

• Recomendaciones:

- “35 Monólogos para ejercicios”. Prólogo y notas de Alberto Miralles. Ed. “La Avispa"  (1999). Todos de autores españoles clásicos y modernos. Los monólogos son buenos, pero todos bastante complicados. Puedes hacer como yo, seleccionar un fragmento y adaptar el lenguaje al que te sea más cómodo.

- “El trabajo del actor de cine”. Assumpta Serna. Ed. “Cátedra” (1999). Completísimo manual con todo lo que necesitas saber desde antes de que empiece la película hasta el proceso de post-producción. Incluye un capítulo sobre casting para teatro y cine.


Monólogo de Cyrano (Acto I, escena IV):

Eso es muy corto, joven; yo os abono que podíais variar bastante el tono. Por ejemplo: Agresivo: ‘Si en mi cara tuviese tal nariz, me la amputara’. Amistoso: ‘¿Se baña en vuestro vaso al beber, o un embudo usáis al caso?’ Descriptivo: ‘¿Es un cabo? ¿Una escollera? Mas, ¿qué digo? ¡Si es una cordillera!’. Curioso: ‘¿De qué os sirve ese accesorio? ¿De alacena, de caja o de escritorio?’. Burlón: ‘¿Tanto a los pájaros amáis, que en el rostro una alcándara les dais?’. Brutal: ‘¿Podéis fumar sin que el vecino- ¡Fuego en la chimenea! - grite?’. Fino: “Para colgar las capas y sombreros esa percha muy útil ha de seros’. Solícito: ‘Compradle una sombrilla: el sol ardiente su color mancilla’. Previsor: ‘tal nariz es un exceso: buscad a la cabeza contrapeso’. Dramático: ‘Evitad riñas y enojo: si os llegara a sangrar, diera un Mar Rojo’. Enfático: ‘¡Oh, Nariz!… ¡Qué vendaval te podría resfriar? Sólo el mistral’. Pedantesco: ‘Aristófanes no cita más que un ser sólo que con vos compita en ostentar nariz de tanto vuelo: el Hipocampelephantocamelo’. Respetuoso: ‘Señor, bésoos la mano: digna es vuestra nariz de un soberano’. Ingenuo: ‘De qué hazaña o qué portento en memoria, se alzó este monumento?’. Lisonjero: ‘Nariz como la vuestra es para un perfumista linda muestra’. Lírico: ‘¿Es una concha? ¿Sois tritón?’. Rústico: ¿Eso es nariz o es un melón?’. Militar: ‘Si a un castillo se acomete, aprontad la nariz: ¡terrible ariete!’. Práctico: ‘¿La ponéis en lotería? ¡El premio gordo esta nariz sería!’. Y finalmente, a Píramo imitando: ‘¡Malhadada nariz que, perturbando el rostro de tu dueño la armonía, te sonroja tu propia villanía!’. Algo por el estilo me dijerais si más letras e ingenio vos tuvierais; mas veo que de ingenio, por la traza, tenéis el que tendrá una calabaza, y ocho letras tan sólo, a lo que infiero: las que forman el nombre: Majadero. Sobre que, si a la faz de este concurso me hubieseis dirigido tal discurso e, ingenioso, estas flores dedicado, ni una tan solo hubierais terminado, pues con más gracia yo me las repito y que otro me las diga no permito.

Para un casting normal quizás sea un poco extenso, pero puedes quitarle algunas frases, conservando los insultos más ingeniosos. Si lo lo recitas con viveza, juegas con el ritmo y la entonación y añades movimientos, darás la campanada. Cuando digas algúnos insultos (dos o tres es suficiente), mira directamente unos segundos a alguno de los entrevistadores o señala como si se lo dijeras al público. Este recurso es muy usado por los actores de teatro. Si no lo haces bien, te dirán que pares, por eso es muy importante que sigas los consejos que te acabo de citar. De cualquier forma si te detienen, yo diría dirigiéndome directamente al que acaba de pararte: "Un momento caballero, me quito el sombrero (haces el gesto y una pequeña reverencia) y continuo con esmero". y seguría hablando hasta el final, incluyendo sonrisas, algún guiño con los insultos, un gesto socarrón y moviéndome con gracia y elegancia. Esto seguro que no se lo esperan y no creo que te vuelvan a interrumpir. Yo lo hice una vez y los dejé con la boca abierta, consiguiendo como es lógico el papel.

EL TEATRO EN LA ESCUELA

                                  El teatro en la Escuela

 El teatro es la más completa de todas las artes. En él pueden intervenir todas las demás: la palabra escrita, la hablada, el cuerpo, movimientos, gestos, luces, imágenes, música, objetos, pintura (en los decorados), etc. Además los profesores solemos incluir en nuestras clases juegos de expresión corporal, canciones y baile, con los beneficios que esto aporta a los niños.

El ambiente, el colorido y las sensaciones que transmite el teatro estimulan su imaginación, aunque este sea pequeño. Yo recomiendo llevarlos al teatro a partir de los cinco años, pero hoy día encontramos representaciones específicas y cuentacuentos para niños de menor edad.
                              
La práctica del teatro en la escuela desde la etapa infantil es fundamental, pues es en esta época cuando los niños asimilan los conocimientos más fácilmente y el teatro, ante todo, es cultura. Además fomenta su curiosidad intelectual y es una buena oportunidad que tienen para divertirse. Ensayar y representar una obra, les gratifica de tal manera que se superarán hasta tal punto, que nos sorprenderán mucho más de lo que nunca hubiéremos imaginado. Si eres profesor/a y nunca has dado clases de teatro, te recomiendo que organices algo, aunque sea un pequeño taller. Seguro que te alegrarás.

 BENEFICIOS PARA EL NIÑO :


* A través del teatro el niño mejorará su capacidad de observación y concentración, la memoria, aprenderá a trabajar en grupo y mejorará su autoestima, pues una vez aprendido el papel y que haya sido representado, el niño se siente protagonista y aunque sea inconscientemente, satisfecho del trabajo bien hecho.

* El teatro es ideal para los niños con problemas de timidez, integración o relación, entre otros. Con la práctica del teatro y la ayuda del profesor, conseguirán hacer amigos, divertirse, mejorarán la dicción y aprenderán a controlar sus emociones. Con el tiempo, aunque parezca difícil, aprenderán también a controlar la energía. En cuanto a los que son hiperactivos, es una opción muy a largo plazo. Yo he tenido dos en mi clase y solo uno observó una pequeña mejoría.

* La práctica del baile mejorará la atención de todos en general y sobre todo en los más pequeños, la psicomotricidad y la lateralidad.

* Yo siempre les enseño a hacer un vestuario sencillo y algún elemento de decorado que no sea muy complicado (mis alumnos son casi siempre entre 4 y 7 años), así los niños estimularán la creatividad y la fantasía. También podéis enseñarles a fabricar máscaras de animales, que les encantan.

 Si los niños no son muy pequeños,podéis dejarles elegir los personajes y escribir el argumento de la obra que representaréis, entre todos. Eso les hace mucha ilusión. También es buena idea llevar algo de maquillaje, una caja bonita para guardarlo y varias carpetas, dónde guardaréis los diseños de maquillaje, vestuario y decorados. Después nombráis encargados para cada una de las tareas, así los niños se sentirán responsables.


Y si tenéis alguna experiencia interesante: ¡Contádmela!

Os adjunto un web muy interesante, trae consejos para los padres, cuentos, chistes, canciones...     http://www.guiainfantil.com/

 Lecturas recomendadas :

* “Cuaderno de Asesoramiento para un Montaje Teatral con Niños y Jóvenes”
Rocío Pérez Solís. Área de Cultura. Ayuntamiento de Málaga.
* "100 Juegos de Teatro en la Educación Infantil".
Teresa Blanch (2003) CEAC.
* "Teatro y Dramatización" (Didáctica de la creación colectiva)
Carmen Carballo (1995) Ed. Aljibe.  (Todos los ejemplos son de un grupo de 3º de BUP. Al final incluye
el guión que crearon y representaron)

CONSEJOS PARA COMEDIANTES



 Para interpretar comedias, hay algunos factores que debemos tener en cuenta también en otro tipo de obras:

- La “concentración” (abstraerse del entorno) es fundamental. No se puede actuar como uno mismo. Hay que estar dentro del personaje, sentirlo. Nunca debemos hacer movimientos forzados, hay que actuar siempre con naturali- dad. Para los movimientos de las manos, cabeza y cuerpo, podemos inspirar- nos en el arte: cuadros, estatuas… Una buena técnica corporal nos ayudará a transmitir emociones


- Para transmitir emociones, podemos acudir a los recuerdos, a situaciones parecidas que nos hayan ocurrido. No es bueno  imitar,  aunque  en  comedia puede hacerse ocasionalmente. Por ejemplo, se puede utilizar una frase o una expresión de algún humorista conocido.


- Los personajes igual que las obras de teatro, tienen un ritmo propio. Por ejemplo, si en una escena esta muy alegre, el ritmo será más rápido que si está triste. Si conseguimos  captar  el ritmo interno del personaje y trans-mitirlo, interpretarlo será muy fácil. Las comedias suelen tener un ritmo vivo, nunca decae la acción y puede haber una progresión al final con un ritmo muy rápido.


- Todo actor debe tener una voz clara, movimientos ágiles y un pensamiento alerta. Hay que estar muy atento a lo que dice el compañero. Si tardamos en contestarle, se pierde la comicidad.
- Los movimientos y los gestos, sobre todo en comedia, deben surgir sin pensar y de la forma más natural posible, para que sean creíbles.


 Para hacer comedia:

- Podemos recurrir a las  exageraciones  de  los  gestos y la forma de hablar cuando por ejemplo, queremos  hacernos  pasar  por  tonto  o  que  nuestro compañero  lo  parezca. Pero  en  comedia  tambien  se emplea  mucho  el "absurdo". Por ejemplo, el compañero puede presentarnos como un eminente científico y enumerar una larga serie de títulos universitarios. A continuación, tu empiezas a hablar en plan "gangoso" y con tono simplón. La carcajada
esta asegurada. Lo inesperado suele dar buen resultado.

- Hay  que tener presente al público  (hablar para él).  Dedicarle  frases  o miradas, así se crea una complicidad que mantiene atento al espectador. Los silencios (que serán muy breves) son muy importantes. Se puede añadir un gesto o expresión exagerada, que al no haber palabras, destacan más. Si el público  se  ríe,  aprovecharemos  esa  risa  para  dar  vitalidad  a  nuestra interpretación.

- Un buen cómico estará siempre pendiente de todo lo que hace y dice el público. Si alguien le dirige un comentario jocoso, debe responderle rápidamente con otro más ingenioso.


- Tenemos que dotar de energía a nuestro personaje. No puede parecer triste, cansado o abatido. Debe tener siempre viveza en la voz. Para conseguirlo, debemos  tener  fuerza  en  el  cuerpo y los movimientos  (no confundir con rigidez) y un tono de voz alegre. Jugaremos con el ritmo de las frases, dando una entonación variada. Se suele marcar la palabra o palabras que más nos interesen. El tono nunca será monocorde o aburrido.


- Se  suelen  hacer  repeticiones (de sonidos o de gestos) y exageraciones,
pero no se debe "sobreactuar". Es decir, exagerar tanto la interpretación que el personaje no es creíble. Jack Nicholson lo hace casi siempre.

- Se deben aprovechar los contrastes. Un actor muy alto y otro muy bajo, hacen gracia sin decir nada o se puede contar una anécdota muy divertida, estando muy serio. Esto se llama gesto “neutro”. El ejemplo más claro es Buster Keaton. "Groucho" Marx también lo empleaba a veces.


La pronunciación debe ser clara y precisa (con matices) sobre todo en las palabras o frases clave. Esto no quiere decir hablar despacio. Si nos cuesta trabajo, tendremos que ensayar hasta que lo consigamos. Un recurso clásico es hablar a velocidad normal y de pronto hacer una enumeración larga a velocidad cada vez mayor. Lo he visto muchas veces y nunca falla.

 Termino con dos Recomendaciones:

* "El Clown, un navegante de las Emociones" de Jesús Jara. Colección "Temas de Educación Artística". Ed. Proexdra (2000).
Un libro muy completo con juegos, improvisaciones, filosofía del clown, etc.
* www.ddooss.org/libros/Diderot_Denis.PDF
Esto es una pequeña joya, "La paradoja del comediante" de Diderot con un interesante estudio previo de Jacques Copeau, un gran renovador del teatro del siglo xx.